Thursday, February 08, 2018

Exposición “Hierática” de Radharani Torres / Autor Judith Pedroza





Exposición “Hierática” de Radharani Torres

Texto Judith Pedroza

Cuando era niña yo creía que tenía una conexión con las moscas dice Radharani Torres, la mosca era una especie de alter ego que se conectaba con el mundo del inconsciente, la imagen de que una mosca que acompaña como aliada pero también como un súbdito en un reino de imaginación. Una mosca que dirige, apoya,  y sirve.

Radharani Torres se coloca como objeto en el centro de su pintura, familiares y gatos la acompañan, presencias femeninas que en su contexto. En la historia de la pintura occidental la mujer en una posición de privilegio se articula como un objeto a admirar, tomemos en cuenta que esta mujer de privilegio no se pintó a sí misma, ella no es un suceso de su subconsciente, es el resultado de la mirada del hombre pintor. La mujer artista latinoamericana muy lejana al privilegio occidental, se pinta así misma con una premisa distinta –articular un nuevo poder, una nueva posición en lo que occidente afirmaría como inadecuado. La historia de la mujer en las sociedades occidentales, es un objeto de apoyo, consuelo y cuidado. La belleza o la narrativa de el sacrificio la llevaría a ser el centro en una pintura. Cuántas narrativas invisibilizadas de sacrificio lejos de ser un privilegio no han sido contadas en pinturas o imágenes en Latinoamérica. Pero la artista fuera del privilegio esta contando una narrativa de dignificación nueva en compañía, de otras mujeres, tótems y deidades que empoderan y sirven de soporte del consciente-inconsciente. La mujer latinoamericana se representa a sí misma dignificada, llena de magia y presente para contar. Le ha quitado el poder a la historia de la pintura.


“Aquí hay más de cien canciones y cien consultas de psicoanálisis
esperando a suceder. Estampitas sacras para todo tipo de monstruo
mental que se quiera aparecer. Remedios para desamores y
pociones para amarrarse los huevos y salir a la calle a
pelear. Homenajes a los caídos y monumentos a los que siguen en
pie. Nuevas formas de querer y cabida al odio absoluto. Deidades
autoritarias que no temen castigar mientras escupen bolas de
pelo. Crossovers con tiempos que definitivamente no fueron
mejores, pero tenían los vestidos más “cool-ever.” Ven vamos a
vengarnos de quienes nos hicieron daño y luego a abrazarnos
hasta que amanezca.”
Radharani Torres


 Beatas sin rostro, la coronación de un gato, la veneración de la muerte de una mosca, el círculo espiritista, el tercer ojo de tu ojo ó de tu gato. Son las tantas direcciones en la pintura de Radharani Torres que más que generar una iconografía, esta leyendo una interioridad de la cual fortalecer una reflexión interna. La magia es la que empuja a crear. La magia también parte de nuestros sitios, de los significados que damos a nuestros espacios y a quiénes nos acompañan. En la ansiedad y en la idea de la búsqueda interior se crean círculos de protección, círculos de imaginación, donde un estudio puede convertirse en la mesa redonda del inconsciente, ¿A quién vamos a  invocar ahora?. “I thought I heard you cry” es la vista de una antigua iglesia en la Ciudad México, cargada de significados, en un espacio que ha sido construido para la contemplación, se comunica con un interior histórico, las mujeres en la historia de nuestra colonización, encontraban calma y consuelo en estos espacios. –“Pensé que te escuche llorar” ahí en el centro donde yo puedo leer ese enunciado que se comunica conmigo, un momento para hablarlo conmigo, hablarlo en una pintura, encontrar un sitio visual donde preguntarnos las respuestas que necesitamos. “Queen Bitch”– la coronación de la “Bicha” la compañera de pintura de Radharani Torres, porque en los procesos de la pintura de Torres no son solitarios, están dibujados de micro-compañías femeninas, de observadoras soñadoras y juguetonas, de respuestas incompresibles pero llenas de poder. Si hay que coronar, se corona quién merece convertirse en deidad, a quién emite sonidos de resguardo, alteridad, vocales de fidelidad y alegría. Se aman más las compañías que a los amantes, se aman más los lazos de comprensión entre iguales que entre las atracciones entre contrarios– “I wish that we were magic so we couldn´t be so young and tragic” –las hermanas Indriani y Radharani aparecen ahí, vestidas en bordados a modo de pintura del siglo XVI,  de cuando se necesita el crear  una alegoría personal de cuidado y solidaridad. La imagen eleva a estas dos mujeres jóvenes, a un nivel de dignificación hacia todo lo posible en su tiempo.

Una vez Radharani Torres y su interlocutora en este texto, nos hacíamos una apuesta, –¡Midámonos la dignidad a ver quién la tiene más grande – Sí… a ver quién la tiene más grande!– La artista se pone en el centro, sin ninguna mirada masculina al lado, “Please let me be your third eye” nos invita al diálogo con los iguales, –déjame abrir esa otra puerta imaginativa de transformación hacia la toma de un poder propio, el velo del fantasma, la identidad que se oculta de bajo, el gesto de dar la espalda, e impedir el paso a acercarse, encontrar resguardo de mitificar la intimidad. La pintura es la búsqueda de apoderarse de un mundo posible femenino, dignificado y consciente. “They told us: Our gods would be outlive us. But they lie”–Nos contaron que nuestros dioses nos sobrevivirían, pero nos mintieron– Hora de enterrar a los dioses como a los gusanos de las deidades en desuso, tiempo de mitificar nuevos modelos de deseos, de imaginaciones, conquistar las otras imaginaciones para contemplarnos por primera vez y desde ahora a nosotros. n hablarlo conmigo, hablarlo en terlocutora en este texto, nos haciamos  pero llenas de interstan hablarlo conmigo, hablarlo en


-->





Thursday, December 28, 2017




                               
                              Caffè sospeso
                                                                Café Pendiente
                        Pending Coffe
                                                                                                                By  Judith Pedroza


I pay 2 and take one,
Then five and drink three,
Waiting, expecting you at the door,
One day you will appear,
Caffè sospeso, here I leave you,
Take one for me,
One day we will sit in the same chair
With a similar cup, the pending coffee that I leave
I hope to go back and find you,
And have the coffee that we could not have together,
The coffee that could have led me to follow you on the roundabout
of Amsterdam
And walking in circles
Sugar and milk, more milk than coffee,
Come by and ask for the pending coffee with your name.
Do you have a pending coffee?



Caffè sospeso
From Wikipedia, the free encyclopedia

Jump to: navigation, search
A caffè sospeso (Italian: suspended coffee) or pending coffee is a cup of coffee paid for in advance as an anonymous act of charity. The tradition began in the working-class cafés of Naples, where someone who had experienced good luck would order a sospeso, paying the price of two coffees but receiving and consuming only one. A poor person enquiring later whether there was a sospeso available would then be served a coffee for free.




Thinking about the Tonino Guerra Tale.- Caffè Sospeso


  
                         Someone wants to escape...

 A curtain flirts through the window of a building. It is the only one. The curtain is determined to be rebellious and has decided to play with the air that comes after an open door, plays to walk abroad. The other windows of the building are kept locked because in September, in Graz, a slightly cold air begins, but this curtain does not hesitate to come and go.  Passing by, I 'm looking at the curtain and it seems to want to tell me something, "Look at me, look how I wave the colors of the flowers in my autumn pattern; I have no fear, someone in their carelessness left me here with only a moment to meet you.  Stay there. Look at me.  I don’t know how long the door will be open." Why don’t you come over here? Surely from here, you would appreciate all who walk with their bread in hand toward their homes. I have never seen someone in Graz walk with a coffee in hand. That's for people from America, who are always in a rush, but this is a city of contemplation. Right now, if you look up, you could appreciate the beauty of this, my home. Sacred time of this building has colored those dark shadows on the walls around the windows … I stop, but it's hard because I'm in a conversation with the curtain. I've always hated those who need to take a picture of every meaningful moment; there are images that only live in experience and memories. The photograph is never a good reference to the experience, but this curtain wants to stay as an image.

After 20 minutes of contemplation, I have to wait for the time frame and flirting. Here you are curtain; I know you want to reach the cables hanging in a perfect horizontal and linear way. Why did I have to encounter you? I imagine your home with old books. Surely, from the beginning of the last century with illustrations in black and white, cups of strong coffee, those that do not let you sleep for three days. I would let you escape every day with a promise to return.

Thus, you would conquer the bread walkers. I'm standing here talking to you from a distance again. The bread walkers are curious, asking why I am looking at you. Some of them stop. You have conquered them as well. Remember me next time. I will pass through here. I'll have a coffee in hand and you will know that I am a foreigner.

Canon, Issue 7
© 2014, the contributors
Department of Visual and Critical Studies
The School of Art Institute of Chicago
Chicago, IL 60603 







Apropos of the Question “What is the Purpose of Art?” — A Simple Machine




A post shared by New Capital (@newcapitalprojects) on


Apropos to the question what is the purpose of Art? — A Simple Machine

By Judith Pedroza

Beyond a political reflection, the interest of Adela Goldbard is to touch other sensibilities. It is not enough to only create objects or sculptural constructions but to be involved in the concerns or imaginary of the people who are affected by these political movements directly. In order to produce artistic statements, Goldbard needs the strength of others to create a critique as a whole.  Artists are never alone at their reflections, they (artists) are close to the others who do not belong to art, of whom they participate, in solidarity and dialogue. Because the artists' materials are their own people, with whom they identify the vulnerability of the present, where there are vulnerable immigrants, institutions of violence and order with corporate colors and buildings that guard guilty bodies in transit, that policies decide now to blame them, its economy takes advantage of them and where the capital apparatus can find a way to produce a profit for some corporation that can not have a visible face that is only recognized through signs and colors.
   Goldbard has the need to identify her social place in-company and build the questions that can not be so simple to turn around, there is not a single facade in a gallery, there are several in each state of blue and red. It is a "simple machine" articulated and planned in each place that is built. A simple and like other economic apparatus that invisibilizes the vulnerabilities and minimizes numbers. This machine, which is now simple, will be a testimony to our present.


"The history of Africa was narrated by the hunter, it is time to be narrative by the leopard"

African proverb told by Boaventura de Sousa Santos,
Mexico City 2014.


 ¿ Apropos a la pregunta para qué sirve el arte? - A Simple Machine

Judith Pedroza

Más allá de una reflexión política, el interés de Adela Goldbard es de tocar otras sensibilidades, no es suficiente solo crear objetos o edificaciones escultóricas, sino involucrarse en las preocupaciones o imaginarios de la gente a quiénes afectan estos movimientos políticos directamente. Para poder crear Statements artísticos, Goldbard necesita de la fuerza de otros para crear una crítica en conjunto, el artista nunca esta solo en sus reflexiones,  esta cercano a los otros que no pertenecen al arte, de quiénes el artista participa, se solidariza y dialoga. Porque los materiales del artista son su propia gente, con quienes identifica en conjunto la vulnerabilidad del presente, donde hay inmigrantes vulnerados, instituciones de la violencia y de el orden con colores corporativos y edificaciones que resguardan los cuerpos culpados en transito, que las políticas actuales deciden culpar, que su economía aprovecha y donde el aparato capital puede encontrar una manera de producir una ganancia en beneficio de alguna corporación que no puede tener una cara visible que solo se reconoce en signos y colores. 

Goldbard necesita identificar su lugar social en compañía y construir las preguntas que no puedan ser tan sencillas de dar la vuelta, no hay  una sola fachada en una galería, hay varias en cada estado de color azul y rojo. Es una máquina simple articulada y planificada en cada lugar que se edifica. Un simple y como otro aparato económico que  invisibiliza las vulnerabilidades y minimiza números. Esta máquina que ahora es simple, será un testimonio de nuestro presente.


 La historia de África fue contada por el cazador, ya es tiempo que sea contada por el leopardo
Proverbio africano contado por Boaventura de Sousa Santos, 
Ciudad de México, 2014.

Monday, June 12, 2017

"A Cosmetic Decision" Juan Camilo Guzmán


“I shop as an artistic practice. What I like about the things I buy is their attitude.” Juan Camilo Guzmán (Bogotá, 1987) wrote about his exhibition “A Cosmetic Decision” where he problematizes the subject of “surface,” as the very superficial layer. Analyzing, observing and collecting, he frames visual information from different sources. Guzmán finds preciosity in "Stuff"-- objects that exceed the mass trans-cultural market, which we can all recognize in (our present). Objects like a finely wrapped Iridescent eyelash curler in silver from Forever 21, a bag of gummy worms, a pink dolphin, a sentence such as  "Devour me Again " [Devórame Otra vez], from "Aesthetic power" or "Mystery Journey".
  
The basis that can describe a Latin American artist is the understanding of his context, to experience in his own sensitivity and the use of his own time, the personal reflections that can be opened in different interpretations. Not define in a studio, instead of in the experience of his time.

 Juan Camilo Guzmán likes Colombian salsa, which he exchanges in Karaoke moments, when he sings and admires Mexican short stanzas of José José, tennis once a week, discussing soccer in WhatsApp groups of "Los Millonarios" and the "Real Madrid," asking you dichotomous questions (where you can only choose one answer), creating the perfect mustaches and beards for everyone, (even if you cannot grow one), infinite hashtags for a single Instagram image —wearing short dresses and wigs. He does not like the sand on the beach, nor even getting wet in the rain, natural disasters or when people run even a few minutes late. He has a big golden duck crown, as a ring, that has accompanied all in the streets of Chicago. Guzmán received his MFA in Painting and Drawing from the School of the Art Institute of Chicago in 2016.

 I do not know how to win, but I try
Perhaps I don´t risk as much but, I dare
If someone defines me, I ignore
If I lost, I recognize”

Grupo Niche/Colombia,1986.

“A Cosmetic Decision” by Juan Camilo Guzmán

-->
Chicago Artists Coalition

Exposición “Hierática” de Radharani Torres / Autor Judith Pedroza

Queen Bitch Acrílico y òleo sobre tela. Ya todo listo para la expo en Guanajuato #cat #sacred #queenbitch #gato #sacro #arte #art #...